Luís de Freitas Branco (1890-1955) - "Fandango Ribatejano"
Freitas Branco é figura exponencial da música portuguesa. Sobre seu legado escreveu Lopes Graça: "No campo da criatividade, devemos a ele a renovação de nossa música, ao introduzir em Portugal o modernismo, tal como era conhecido o impressionismo de Debussy ou as primeiras experiências atonais de Schoenberg. Nossa música para piano, assim como a camerística e a sinfônica, alcançaram em suas composições um patamar
técnico e estilístico que não se supunha possível no século XIX."
Nascido em Lisboa, Freitas Branco teve da tutora - uma senhora
irlandesa que vivia com a família - as primeiras lições de solfejo.
Estudou com grandes mestres portugueses e também com dois
extraordinários músicos estrangeiros que viviam na capital portuguesa:
Désiré Pâques (belga) e Luigi Mancinelli (italiano). Estudou ainda em Berlim (com o célebre Engelbert Humperdinck) e Paris (com Gabriel Grovlez). De volta a Portugal, teve uma vida extremamente prolífica, tanto no campo da composição como no ensino e na musicologia. Entretanto, Freitas Branco opunha-se ao regime salazarista, sendo por este ferozmente perseguido - em 1951, foi demitido da Emissora Nacional pelo simples fato de ter ousado vestir uma gravata vermelha.
O fandango - dança rápida em ritmo ternário, comum justamente nas regiões da Espanha mais próximas a Portugal - tem origem popular, mas atraiu o interesse da aristocracia ainda no século XVIII. Para alguns musicólogos, o fandango constitui herança da ocupação moura; para outros, tem origem no Caribe ou mesmo na América Latina. Há exemplos notáveis de compositores que se inspiraram nesse ritmo tipicamente ibérico: Rimsky-Korsakov termina seu "Capricho Espanhol" justamente com um fandango; Mozart incorpora a dança ao final do terceiro ato de "Bodas do Fígaro". Até mesmo Beethoven chegou a esboçar um fandango num de seus cadernos de rascunho.
O "Fandango Ribatejano"  nunca foi executado em Portugal. A partitura encontra-se guardada na Emissora Nacional, porém as partes de cada instrumento só foram confeccionadas este mês. Graças à generosidade do maestro, caberá a Santo André a honra da primeira audição desta obra.

Antonin Dvorák (1841-1904) - Concerto em Si Menor, op. 104, para violoncelo e orquestra (1895)
Dvorák nasceu num vilarejo da Boêmia, filho de um açougueiro que era também músico amador. Aprendeu com o pai os rudimentos do violino, e aos dezesseis anos foi para Praga com o objetivo de estudar órgão e composição. Na capital tcheca teve a felicidade de conhecer e receber o estímulo de Brahms e Liszt, e graças ao enorme sucesso de suas "Danças Eslavas", logo estabeleceu-se como um dos maiores compositores de seu país. Em 1892 mudou-se para os Estados Unidos, onde permaneceria três anos como diretor do Conservatório de Nova York. O concerto para violoncelo, que ouviremos hoje, foi concebido exatamente nesse período.
Foi o violoncelista tcheco Hans Wihan, amigo de Dvorák, quem o convenceu a escrever o concerto para violoncelo. Entretanto, as relações entre os dois não tardaram a estremecer-se, pois Wihan quis interferir em vários pontos da composição. A coisa azedou de tal modo que a honra de estrear o concerto coube a outro violoncelista.
Tal como Schubert, Dvorák foi um grande melodista. E tal como seu amigo Brahms, era um zeloso observador das formas musicais tradicionais. São exatamente essas características que marcam o concerto para violoncelo op. 104 de Dvorák. Com três movimentos contrastantes, o concerto se abre com um Allegro de grandes proporções. O primeiro tema, exposto pela clarineta, contrasta fortemente com o segundo, apresentado inicialmente pela trompa - uma melodia de contornos nobres, exatamente como um "lied" de Schubert. No lírico segundo movimento, Dvorák tem um lampejo genial, e a uma certa altura deixa o violoncelo solista acompanhar-se unicamente por três trombones, numa orquestração verdadeiramente revolucionária. O concerto se encerra com um rondó vigoroso, em cuja coda ouve-se uma sutil reminiscência do tema inicial do primeiro movimento.


P. I. Tchaikovsky (1840-1893) - Sinfonia No. 5, em Mi Menor, op. 64 (1888)
A quinta sinfonia de Tchaikovsky é fruto de uma importante fase criadora de sua vida, em que se inicia uma curiosa relação com a viúva milionária Nadejda Von Meck. Esta senhora admirava sinceramente a obra do compositor, e embora o proibisse de manter com ela qualquer contato pessoal, passou a contribuir para seu bem-estar com vultosas quantias. Graças a essa tranqüilidade financeira Tchaikovsky pôde ter a paz de espírito necessária à composição da obra que ouviremos hoje.
No ano em que compôs a quinta sinfonia, Tchaikovsky acabara de retornar de sua primeira e triunfal turnê pela Europa Ocidental. Tendo regido suas próprias obras na Alemanha, Checoslováquia, França e Inglaterra, e tendo conhecido pessoalmente grandes compositores como Brahms e Grieg, ela já havia recobrado integralmente a autoconfiança.
A princípio Tchaikovsky pensou em escrever uma sinfonia programática, isto é, uma obra que descrevesse fielmente os acontecimentos de um roteiro previamente estabelecido. Desistiu da idéia, mas manteve um tema principal como unificador dos quatro movimentos. Para isso, escolheu uma melodia do primeiro ato da ópera "Uma Vida pelo Czar" de Mikhail Glinka. Em seu caderno de rascunhos, Tchaikovsky escreveu que essa melodia tinha para ele o significado de “completa resignação diante do destino”.
É com esse tema, exposto de modo sombrio, que se abre a primeiro movimento. Vamos ouvi-lo ainda da várias outras maneiras, ao longo de toda a obra. O segundo movimento, com seu famoso solo de trompa, é uma das páginas mais conhecidas de Tchaikovsky. No lugar do scherzo que normalmente constitui o terceiro tempo, está uma valsa leve e expansiva, adornada por uma seção central em que as cordas da orquestra exibem seu spiccato. A sinfonia se encerra de forma vigorosa e brilhante, num quarto movimento que inclui várias aparições do tema central.